東京は赤坂にたたずむホテルオークラ。日本の大ホテルと謳われ、国賓や要人を迎え「世界をもてなす」日本のホテルの代表格です。お話を伺ったのは、石草流の奥平祥子さん。ホテルオークラ創設時より、オークラ内のすべてのお華を手掛けられている石草流、現家元の奥平清鳳さんの娘として生まれ、今ではオークラだけでなくアマン東京全館のお華を活けられ、国内外のイベントで実演や登壇をなさっています。
今回は前編・後編の2本立てです。前編では今の奥平さんを形作ってきた価値観について、後編では華道に注力をし始めてからの奥平さんの想いについて、詳しくお話を伺いました。

Interviewee Profile
奥平 祥子（Shoko Okudaira）
石草流いけばな 家元後継、付加価値デザインコンサルタント、日本農業経営大学校非常勤講師
慶応義塾大学総合政策学部卒。 ソーシャル・マーケティング専攻。 日本電気株式会社で新聞社総デジタルシステム化の基礎設計担当。 世界標準フォーマット提案活動についてNEC社長賞受賞。 博報堂生活総合研究所でフリプランナー勤務の傍ら、ホテルオークラ東京での館内装花を担当。LVMHグループでハイエンド・マーケティングを担当したのち、2013年より日本農業経営大学校非常勤講師。

​『石草流』は、世界を迎える日本の玄関として建てられ「１万8000坪、まるごとアート」と称されるホテルオークラ東京創業より今日に至るまで、その玄関やロビーなど全館あらゆるところの生け花を手がける流派です。
法則や花型をきめて、そのなかに花をあてはめていけることはせず、花や枝のもっている美しさや、日本古来の風習をふまえ、野山にあるが如く自然を写す作風が特徴。川端康成氏からも「岩田女史の花ほど日本の自然の心を流露した花はないかと思へる。」と賛辞を送られています。

オークラ全館のお花を活けることをメインに行っています。1日の明確なスケジュールは決まっていませんが、季節ごと、月ごとに花を変えたり、時と共に状態の変化する花のお手入れをしています。また、アマン東京などオークラ以外のホテルの企画が立ち上がる段階から、デザインコミッティーのような形で関わらせていただき、空間の中でどこにどんな花を、どんな器にどう活けるのか、などを一緒に考えさせていただくこともあります。その段階から関わると、建築の趣旨やおもてなしの領域にも踏み込むんですよね。華道の世界を超え、それらの最良解を一緒に探し続ける機会をいただけるのはとてもありがたいことです。

他には、現家元による社中のお弟子さんへの教育のお手伝いをしています。石草流では、家元−師範代−弟子という序列を上がっていくピラミッド構造を取っておりません。そのため、一番年下の10歳の女の子も、大人と同じように学んでいます。大人が使う道具でつかいかたを覚えないと怪我にもつながるので、子供用につくられたものではなく、刀鍛冶が作ったハサミと備前や白磁のつぼを自分で選び、全員が同じ状態で学んでいるんですよ。
また、華道の世界に入る前に多少積んでいたビジネスキャリアでの経験を生かし、企業が開催する講演会に呼んでいただき「イノベーションの起こし方」などのお話をさせていただいています。

世界を迎える日本の玄関として建てられたホテルオークラ東京の創業時に、内装・家具・備品など端々にわたるデザインを手がけるために意匠委員会が招集されました。そのうちの1人が、初代家元の岩田清道。
創業の構想のみにとどまらず、その後も花でオークラを飾るために組織されたのが、『石草流』です。

岩田清道は、小さい頃に疎開していた秩父の長瀞で、青い石の渓谷に草が青々と映える様子に癒されたことから、静と動の組み合わせ・陰陽のコントラスト・調和の自然を表現するため、60歳を過ぎて『石草流』を創流し、98歳まで現役でい続けました。

それからというもの、オークラからお花を活ける場の機会をもらい、それぞれの季節に合わせたお花を提供しています。クライアントはオークラですが、エンドユーザーにあたるのはオークラに滞在されるお客様がたです。オークラには、年齢も国籍も滞在期間も様々なる方がいらっしゃるので、花や木の成長を先読みして植え込み、変化を楽しんで頂くことを心がけています。

余談ですが、オークラが提携している歴史あるジャズ・クラブ、BlueNoteの出演者がオークラに宿泊されることがあります。以前、私が活けている様子を彼らがじっと見て「僕らの音楽と同じだね」と言ってくださったことが幾度となくありました。ジャズでは、その時その場だからこそ出てくるようなリズムやメロディーがあると思いますが、いけばなも同様です。季節や気候によってお華の種類も状態も違えば、活けた後の成長・変化を見越して活けます。
音楽もいけばなも、時や状況により変化し、正解がないからこそ、相手と創っていくプロセスの芸術と言えるのでしょう。

​母が浅草、父が神田、私は港区生まれというチャキチャキの江戸っ子なんです。母も祖母も女の嗜みとして、華道・茶道・謡琴などに親しんでいたので、私にとってそれらは日常生活の中にあるものでした。だから私はやりなさいと言われたからではなく、母が夢中になっていることと同じことをやってみたくなったのですね。
一番幼い記憶は、４歳のときにオークラでの水やりを手伝った日のことです。ジョウロを持って歩くのですが、床に水がこぼれないように、そそぎ口にタオルを当てて歩きなさいと言われたのを覚えています。ジョウロを手に歩く間、いろんな人が声をかけてくれたことや、大人のための非日常空間に子供の自分が緊張しながら入っていくことが嬉しかったのを覚えています。

​いいえ、高校を終える頃まで、華道は母などの”奥様”がやることだと思っていました。
ただオークラで頑張り続ける母を見て、華道をビジネスの観点から守ることが出来ないか、需要と供給を上手く組み合わせるにはどうすれば良いかを知りたいと思いました。華道をはじめとする文化の、現代の社会や生活のなかでのあり方を考えるべく、今もなお続けている、華道がかつてのように”機能”として社会に馴染むために必要なことが何かの探求をするべく、大学ではソーシャル・マーケティングやリレーションシップ・マーケティングなどを学びました。石草流に入門したのは社会人になってから、華道をお仕事にし始めたのはもっと後のことです。

​2001年に大手メーカーにSIer（システムインテグレーター）として入社し、5年ほど勤めました。当時の2000年問題（＊）の影響もあり、どこの企業でもデジタルシステム化の要件は高く、私は主に新聞会社を担当していました。記事を扱う一連のシステムの要件をつくる仕事だったのですが、社内や企業間で記事をやりとりする際のテレビ欄用のフォーマットを策定し、パリで開催された業界の世界標準評議会でのプレゼンを経て、世界標準フォーマットとして採択される機会にも恵まれました。社長賞受賞や新聞協会からの感謝状をいただき、とてもチャレンジングで面白い仕事をさせてもらいました。

その後、大手広告代理店のシンクタンクで3年間お仕事をしました。常にヒットを出し続けるクリエイターやコピーライターの発想法の分析成果を社内でシェアする方法を検討したり、商品開発段階から消費者と一緒に物を創る思考ツールの社外提案方法を模索したり、数十年サイクルでの経済変動や消費行動についての予測を立てたり、様々な仕事に関わり学ばせてもらいました。
シンクタンクでの3年を終えてから、華道の世界にどっぷりと入ることになりました。

＊2000年問題とは、コンピュータ西暦2000年問題。年号を2桁で管理しているコンピュータが西暦2000年を1900年と誤認してしまい、処理を続行できなくなる問題のこと。また、コンピュータシステムが麻痺することによる社会的混乱。（IT用語辞典より抜粋）

仕事や技という属人的なブラックボックスを、見えるようにしたり、使いやすいようにしたり、パターン化したり、みんなのオープンソースとして共有する試みを行っていたことだと思います。

なにごとも上達する軌跡はリニアではなく、必死に続けることで壁を超えられるタイミングがあるはずなのですが、その時に実際にどんなことが起きているのかを改めて認識することはとても大切だと思います。壁を乗り越えた喜びのあまり、そこへ至るまでの自らの経験や知見を蓄積出来ていないことで、再現性がないことが多いと思うんです。
スポーツとも似ていると思いますが、成功と失敗の過程を可視化・パターン化することで自分の仕事がうまく回せたり、チームとして円滑にプロジェクトを進めることができたり、作るもの自体のクオリティが上がったりすることに、今までのキャリアを通して気がつきました。

キャリアを通じて得た経験はすべてが今に繋がっています。「華道はセンスでしょう」と言われることも多く、簡単に真似できないものだと思われがちですが、私はそうは思いません。華道でも、ミスや悔しい思いをたくさんして、手も足も出ないような壁にぶつかりながら、「この場合はこうすればいいんじゃないか」「この種類にあわせるならこれだ」と数多くのパターンを作り出し、過去の事例からも学びつつ、自分独自のノウハウを構築していきます。華道という創造におけるパターン形成と、ビジネスにおける自分なりのこなし方や勝ち方の作り方に共通性があるのは、実は華道の成り立ち方からして必然のこと。
華道のような”道”は、楽しく生きるため、先人たちの知恵や経験を理解しそこへ到達するために、選ぶことのできるインターフェースのひとつなのです。

急性胃腸炎で入院した時、治療法が絶食だけだったので暇で暇でしょうがなく、外で摘んできたお花をペットボトルに入れて飾っていました。するとそれがきっかけで他の患者さんと会話が始まり、プレゼントしたところとても喜んでいただいたんです。花があるだけで声をかけてくださる。会話が始まり、孤独な入院生活に交流が生まれる。互いに名前を覚え、気遣い合うようになる。ときには思い出話を引き出し、自分の地元の話や家族の話をする。その間、目の前にある花や記憶のなかの花の風景がやりとりされ、笑顔が生まれる。「花ってすごいメディアなんだ！」と実感しました。言葉以上に気持ちを動かすことのできる、花という媒介の可能性を知ったんです。

今と同じく、当時も働きすぎが世間で問題となっており、私の周りでも体調を崩す人がいる中、普段の生活ので何か心休まるもの・自分を取り戻せる時間をつくれるものはないものか、ずっと考えあぐねていました。しかし病院での自分の経験から、これこそが華道で創ることのできる世界の入り口なのかもしれないと思ったのです。
華道や茶道などの”道”というのは、世の中を楽しく生きるため、先人たちの知恵や経験を理解し到達するために、選ぶことのできるインターフェースのひとつだということに気がついたのです。
この道を自分も極め、楽しく生きる方法を多くの人と共有する仕事をしよう、と心に決めました。

・・・後編では、これからどのように進めていきたいかというお考えをお聞かせいただきます。

[石草流 詳細] 
『石草流』は、世界を迎える日本の玄関として建てられ「１万8000坪、まるごとアート」と称されるホテルオークラ東京創業より今日に至るまで、その玄関やロビーなど全館あらゆるところの生け花を手がける流派です。
創始者・初代家元は、岩田清道。1962年、ホテルオークラ開業において、内装・家具・備品など端々にわたるデザインを手がけた、意匠委員会の1人。
法則や花型をきめて、そのなかに花をあてはめていけることはせず、花や枝のもっている美しさや、日本古来の風習をふまえ、野山にあるが如く自然を写す作風が特徴。川端康成氏からも「岩田女史の花ほど日本の自然の心を流露した花はないかと思へる。」と賛辞を送られています。
http://sekiso-ikebana.jp

Interview : 北村勇気・栗林スタニスロース薫

　

　

国内外での公演やお弟子さんへのお稽古など日々一中節に打ち込んでいらっしゃる中で、今はどのようなことに時間を割かれているのでしょうか。
 
今は大きく3つのことをしています。
・舞台に出る時間
・自分の稽古の時間
・教える時間
 
この３つですが、基本的に流動的で、これはこの時間、あれはその時間、と決まっていないんですよ。舞台とお弟子さんへのお稽古はもちろん時間が決まっていますが毎日あるわけではないし、自分のお稽古の時間をどう取るかがとてもむずかしいところなんです。場合によっては一日中やることもあるし、一日2〜3時間のこともある。


３つの時間のやりくりをする上で、心がけていることはありますか。

まずは一番近い舞台を目指して稽古しますけど、本当のことを言うと、いつもどこか未完成のまま舞台に出ている状態なのかなと思っています。もちろんできる限りのことをしているつもりですが、やはりどこかは至らないままなんです。 どんな世界もそうなのかもしれませんが、どれだけやっても完成するなんてことはないからなのだと思います。
​
だからこそ、常に新しいこともやらないとなって考えていて。今度の舞台でやらないといけない曲以外の曲も日常生活に入れて勉強していくようにしなければいけないと思っています。 新しいことの積み重ねが、完成までの残り数％を詰めてくれる。ただ、目の前の舞台とは直接関係のない新しいことをやり続けるのはすごくむずかしいですけれど。

一中節を始めて30年ほどと伺いましたが、了中さんが一中節を始められた経緯を教えてください。
 
生まれた時から父が三味線弾きだったので、３歳からお稽古をしてもらっていました。物心ついた時にはすでに日常でしたね。
幼稚園とか小学生の時はアニメの歌が大好きで、学校からの帰り道とか自転車に乗っている時に歌い続けているような子供だったんです。「ドラゴンボール」とか「らんま1/2」とか、キャラクター1人1人が歌っている曲までも全部歌って覚えていました。
幼少の頃は、一中節もその大好きな歌の延長線上にあるものでした。

今でも覚えているんですけど、歌が大好きな自分としてすごく悔しかったんですよ。アニメの歌は簡単に口から発することができますけど、一中節は全然できなくて悔しくて、できるようになりたいと思ってやり続けたような気もします。
 
 
浄瑠璃など周りで学ばれている方はあまりいないと思うのですが、学生時代はどう思いながら取り組まれていたのでしょうか。
 
父からは「自由にしろ」「好きな仕事があればそっちに進んでいい」と言われていたんです。「好きでないのなら、むしろ一中節に失礼だから」と。
実際に道を決めたのは高校生くらい。曲の内容や細かいことを教えてもらいはじめて、より一層「一中節が好きだ」「一生楽しめるかもしれない」「一生を懸けてやりたい」と思ったんです。

今思うととても早かったなと思うけれども、17歳の時に『都了中』の名前を頂いて、「一中節 浄瑠璃方」としてプロとして舞台に出始めました。
 

高校生の頃に「決断する」というのはとても大きなことだったと思いますが、『一生を懸けてやりたい』と思った理由は何でしたか。
 
ちょうどその時期、父と二人でアメリカに旅行に行った経験があるんです。父の休暇の旅行だったのですが、その期間中 知り合いのアメリカ在住の日本人の方が家に呼んでくださり、サロンパーティーのような形で小さな演奏会を開いてくださいました。現地のアメリカ人の方と日本人の方、合わせて30人程いらしていたと記憶にあります。解説を英語に通訳して頂いたあと、その時は父が弾き語りで演奏をし、僕はただ側で聴いていました。

演奏後、聴いていた人たちが皆感動されている様子で父の周りに寄ってこられて、興奮した様子で感想を伝え、握手を求める方もいらっしゃいました。その様子を間近で見ていて、自分も日々稽古していること、向き合っている音楽はこんなにも人に喜んでもらえる可能性のあるものなのだとひしひしと嬉しく感じました。またその時にミュージカルやオーケストラなど様々な素晴らしい芸術に触れて本当に感動しまして。
ただ一中節も今観てきたものに引けは取っていないとも、その時感じて誇らしく思いました。それらの経験が『一生を懸けてやりたい』と思った大きなきっかけになりました。
 
​
お父様である都一中さんは三味線を弾かれているのをよく拝見しますが、了中さんはいつも語られているイメージです。
 
僕が三味線弾きになるという道はあったと思いますが、自然と「浄瑠璃方」を選び太夫となりました。ずっと、声を出すことがとても好きだったから、自然な流れでした。
​
基本的には三味線でも語りでもどちらか専業になるんです。ただ、浄瑠璃を語るためにはもちろん三味線も学びますし、お弟子さんに教える時やとても小さな会の時には弾き語りもしますが、舞台では専業です。
中には両輪でやる方もいますが、それはかなり珍しいです。まずバランスがどちらかに寄るし、両方極めていくのは険しい道です。例えると、日本ハムの大谷選手みたいな感じ。野球で投げる/打つの両方ができる人はほぼいなくてどちらかに寄ってしまうけど、大谷選手はどちらもできてしまう。そんな方、どんな世界でも珍しいのでしょうね。

一中節をなぜ幼少期から今に至るまで続けられているのでしょうか。
 
「好き」という気持ちが前提としてありながら、続けているのには2つの理由があります。「悔しさ」と「嬉しさ」です。年齢を重ねれば重ねるほど、この2つがどんどん積み重なってくるんです。
 

どういった時に「悔しい」と思われるのですか。
 
まずは「悔しさ」。そもそも、ほんとできないことばかりなんですよね、イメージしてもできないことが多すぎて、何度やってもできないけれども、その完成形に近づいていきたいと思ってやり続けています。
以前はできるようになりたかったことが、気がついたらできるようになって、でも、その頃には自分がこうしたいという理想はもっとレベルが高くなっていて。目指すところ・理想ってどんどん上がっていくんですよね。全然近づけないんです。だから、もっとやりたくなってしまう。追求したくなってしまう。
 

では、「嬉しさ」はどんな時に感じるのでしょうか。
 
ありがたいことに「私の地元で公演してください」という方がいたり、「毎日CDを聴いています」という方もいて、毎日聴かなくていいですよ、他のも聴いたほうがいいですよとも恐縮しちゃうのですけれど。とてもありがたいし嬉しいですよね。
​
三味線音楽はいろいろありますが、一中節はとても静かな、間が多い、静寂を大切にする音楽でむずかしく感じられることもあると思うのですが、皆様真剣に一生懸命聴いてくださって。「今まで聴いたことのない音楽でした」「また演奏の機会には必ず教えてください」とおっしゃっていただけるのはとても嬉しいですよね。
​
これが、僕が一中節を続ける理由の1つです。

海外での反応はいかがですか。
 
今まで、ニューヨーク・ボストン・サンクトペテルブルク・上海・ケルン・ベルリン等、父に同行してのことが多いですが、様々な場所での公演に出演の機会をいただきました。
もちろんどこも同じ受け取られ方をするわけではありませんが、印象深いのは2014年のベルリンです。

ベルリンにある日独センターで行われた公演だったのですが、日本の文化に興味がある方が多かったのだとも思いますが、スタンディングオベーションで「とても心地よかった」「独特な静寂が素晴らしかった」という音楽に対しての感想に加え、「所作が美しかった」「佇まいを私も真似したい」という、三味線音楽に限らず日本の文化に共通するものもありました。

僕の周りでも海外で公演するという方を度々聞きますし、2020年が近づくにつれて更に増えれば良いですよね。
 

様々行かれてきた中で、海外に対して何を伝えていくべきか、どうお考えでしょう。
 
常日頃している演奏をそのまま真っ直ぐに届けたいと思っています。
最近ですと海外の何かとコラボレーションをしたり、元々の曲を変えて別のものに取り込んだり取り込まれたりといった新しいことも行われています。新しい試みを続けることは本当に大切だと思いますし、必要な場面もあると思います。

​ただ初めて聴かれる海外の方には、まずは普段している演奏をそのままお伝えしたいと僕は考えています。一中節の本来持っている魅力、純粋な一中節の本質を感じて頂きたいと思うからです。それは長い時間をかけて先人達が繋いでこられた中に大切な要素があり、それをより伝えられるように自分を磨き続ける挑戦でもあります。

例えば場所の設えや照明など空間には趣向を凝らしても、曲自体を変えたくはないと思っています。仮にそのままお伝えしてお聴きになった方がつまらないと感じればそれで良いかなと。理解してもらう為に相手を思う優しさは必要ですが、相手に合わせ過ぎると大切な部分が伝わらなくなる危険性もあります。ただ何も事前説明なく聴かれても理解するには現代では日本の方でも中々むずかしいでしょうし、特に海外の方には日本語という壁もあります。

今まで海外でも演奏をさせて頂き思うのは、曲についての解説をしたり、詞の内容を訳したものを演奏中リアルタイムで表示することで、これにはこういう意味があって、こういう歴史があってという背景や物語の内容をお伝えしてからお聴き頂いたら、お客様も自然に曲の世界に入ることができ喜んで頂けた印象があります。
 

了中さんが思う、一中節の「本質」って何でしょうか。
 
例えば曲の中で春を語っている時、浄瑠璃の節の抑揚や三味線の音によって春の空気を感じて頂けること。また登場人物の心情が嬉しい時には嬉しさを、悲しい時には悲しさを同様に浄瑠璃や三味線で感じて頂けること。曲の景色や心情を聴いている方と浄瑠璃や三味線によって共有できることが本質だと考えています。
​そこから当時の日本人の感性の美しさを追体験して頂けたら嬉しいですね。

高校生の時にアメリカで『一生を懸けてやりたい』と思ったあの頃から変わらず、本質は国問わず伝わるはずだと確信しています。「そのものの価値を追求し続けながらより良い演奏・伝え方を創造していく」「何を変えて何を変えないか」僕らが考え続けなければならないテーマですね。

平日は、歌舞伎に関わるお仕事をしています。 
例えば、歌舞伎に隈取ってあるじゃないですか。歌舞伎で役者さんが顔に書いている模様のことです。あの模様、実は血管を示していて、色や形で表現する感情だとか場面が違うんです。そういうものの表現が、企業商品などのなかで正しく使われているのかを調査したり、 他には人気キャラクターと歌舞伎のコラボ商品を作って販売をしています。 

私の場合は物心つく前から和の世界にいて、和がある意味日常で、和の物を身につけるといっても普段は小物だとかワンポイントが好きなんです。 
でも、販売する際にはもっと「THE 和！」という感じが世間の皆様からは受けたりしますし、逆に例えば歌舞伎が好きな方であればあるほどそういった商品を買わない傾向にあったりと、いつも何も分からない中で開発をするのが本当に苦しいです。でも、そのぶんやり甲斐があって楽しいんですけどね。 

お仕事をしている平日以外、土日は舞踊家としてお稽古や舞台出演をしています。それ以外にすることというと、母や友達と池袋PARCOや有楽町OIOIに買い物に行ったり、今一番流行っている映画を観たり、美味しいごはんを食べに行ったり、よく「どんな生活をしているのか」と聞かれますが、踊っている以外は普通の女の子と同じなんですよ（笑） 
仕事でも踊りでもプライベートでも、新しいもの・自分の知らないことが大好きですね。 

Interview : 北村勇気・栗林スタニスロース薫
Photo : 土屋文乃
Place : 中村流お稽古場（神楽坂）